Juan de Jáuregui


Juan de Jáuregui y Aguilar, poeta, pintor y escritor. Nació en Sevilla en 1583 y murió en Madrid en 1641 a los 57 años de edad.
Fue un personaje erudito y teórico literario del Siglo de Oro español. Fue famosa su gran amistad con Miguel de Cervantes -a quien llegó a retratar- como su gran enemistad con los escritores Góngora, Lope y Quevedo
En el mundo pictórico fue un pintor de gran calidad,, Su nombre se asociaba a otros pintores de la época como Pacheco, Céspedes o Mohedano que también fueron escritores.

Familia

Sus padres fueron el riojano Miguel Martínez de Jáuregui, caballero veinticuatro de Sevilla e Isabel Hurtado de la Sal. El padre era de origen hidalgo y de ascendencia vasca y la madre perteneciente a la oligarquía comercial sevillana.
En el caso de Juan de Jáuregui y Aguilar de no usar los apellidos de su madre se puede explicar por las sospechas de ascendentes conversos en la familia de ésta, como se desprenden de las investigaciones efectuadas en las pruebas de ingreso en la Orden de Calatrava de varios miembros de la familia Jáuregui.
Era el quinto de diez hermanos, entre los cuales el mayor, Martín de Jáuregui, heredó el señorío de Gandul y Marchenilla y al igual que su padre también fue regidor de Sevilla. Estuvo casado con Mariana de Loaysa

Formación

Sólo se sabe de su juventud que hizo varios viajes a Italia y estuvo en Roma, muy probablemente para formarse como pintor. mantuvo amistad con Miguel de Cervantes, cuyo retrato pintó.

Poeta

En una primera época de su vida Jáuregui destacó como poeta italianizante (debido a su estancia en Roma) siguiendo la tradición petrarquista tal y como la había estatuido su contemporáneo y coterráneo Fernando de Herrera, pero terminó siendo un poeta culterano y así se muestra en su poema Orfeo (1624), que suscitó algunos comentarios de Lope de Vega y la publicación de un Orfeo en lengua castellana en el mismo año por Juan Pérez de Montalbán.
Tradujo también en verso blanco la “Aminta de Torcuato Tasso”en 1607, versión de la cual dijo Cervantes que era tan perfecta, que no se sabía cuál era la traducción y cuál el original.
La principal compilación de sus obras poéticas se publicó con el título de “Rimas” (1618) que contiene traducciones y poemas profanos y sacros escritos con una gran elegancia y selección formal.
En sus Rimas incluye también algunas traducciones de Horacio, Marcial y Ausonio.
Participó en diversas justas poéticas, en 1616, y ya en Madrid, en 1620, con motivo de la beatificación de San Isidro, o en la convocada por la Compañía de Jesús en 1622 para conmemorar la canonización de San Francisco Javier, y en la mayoría obtuvo premio.

Cargos públicos

Fue nombrado caballerizo de la reina Isabel de Borbón en 1626, y en 1639 obtuvo el hábito de la Orden de Calatrava.

Pintor

Como pintor mereció el elogio que figura en el “Libro de los retratos” del pintor Francisco Pacheco, suegro de Velázquez, y en “El arte de la pintura” hay frases de elogio para el pintor Jáuregui.
Sin embargo, muy poco se conserva de su obra pictórica: los retratos de Alfonso de Carranza y Lorenzo Ramírez de Prado.
Famoso e importante fue su trabajo como ilustrador de la obra del jesuita p. Luis Alcázar, titulada "Investigatio arcanis sensus in Apocalypsi". (Amberes, 1619).
Su nombre estuvo asociado con otros pintores de la época como Francisco Pacheco, Pablo de Céspedes o Antonio Mohedano, que eran también escritores y con los cuales colaboró para redactar el “Memorial informatorio por los pintores” (1629).

El retrato de Cervantes

En el prólogo a sus “Novelas ejemplares” Cervantes dice claramente que Jáuregui le pintó: "...pues le diera mi retrato el famoso don Juan de Jáurigui" (sic). Esta pintura está perdida.

Obra literaria

Se distinguió en sus obras de preceptiva sobre el “culteranismo” de Góngora, contra quien publicó el “Antídoto contra las Soledades” y el “Discurso poético contra el hablar culto y estilo obscuro” (1624). Se trata de un discurso impersonal y abstracto, muy educado y doctrinal, frente al encono que poseen otros ensayos contra el gongorismo.
Su obra fue reimpresa por el ilustrado ·Pedro Estala” en su colección de clásicos españoles a fines del siglo XVIII, con un prólogo crítico. Escribió además una sátira dramática no representable, “El retraído” (1635).
  • Aminta (1607) (traducción)
  • Rimas (1618)
  • Discurso poético contra el hablar culto y oscuro (1624)
  • Antídoto contra la pestilente poesía de las Soledades (1624)
  • Apología por la verdad (1625)
  • Orfeo (1624)
  • Pharsalia (1684)



Romero San Juan



La biografía del cantante y compositor Romero San Juan, puede concretarse en los siguientes términos:

Rafael Homero Romero de la Osa, reconocido artísticamente como Romero San Juan, nació en San Juan de Aznalfarache (Sevilla) en 1948 y falleció en Sevilla en 2005 a la edad de 56 años, víctima de un infarto.

Durante la década de los ochenta, Romero San Juan dejó una huella indeleble en la música andaluza, destacándose como un virtuoso cantante y compositor. Sus sevillanas, muchas de las cuales se convirtieron en clásicos de la época, fueron interpretadas y popularizadas por renombrados artistas del género. Su habilidad para innovar y conectarse con el público resultó en obras maestras que se caracterizaban por su delicadeza y una sublime sensibilidad, estableciéndolo como un artista único que perdurará en la memoria histórica de la música andaluza.

Familia: Romero San Juan estuvo casado y tuvo una hija llamada Virginia. Trágicamente, también experimentó la pérdida de un hijo en un accidente de moto en 2004.

Inicios artísticos: Desde su infancia, participó en Radio Sevilla, ganando el "Primer Premio de Canción Andaluza" en la categoría infantil. Además, obtuvo el "Primer Premio Nacional de Villancicos" en el Ministerio de Información y Turismo en Madrid durante dos años consecutivos. En su juventud, formó parte del Ballet Flamenco Raúl, actuando en todo el mundo, y posteriormente se unió a grupos como "Los de Triana" y el dúo "Altozano". Incluso tocó la guitarra y acompañó a "Los Morancos" en sus inicios antes de alcanzar el éxito.

Compositor: Romero San Juan se destacó como compositor de renombre, siendo solicitado por los grupos más famosos para incluir sus letras en nuevas producciones de sevillanas, especialmente estrenadas en la Feria de Abril. Colaboró con músicos de la talla de Raimundo Amador, Carles Benavent, Vicente Amigo, Rafael Riqueni, Rogelio Conesa, entre otros. Además, realizó una gira con el legendario Camarón de la Isla.

Éxitos: Entre sus canciones más reconocidas se encuentran "Creó Andalucía", "Pasa la vida", "Cuéntame", "Poderío" y "Sevilla tiene un color especial", que fue popularizada por el dúo Los del Río.

Enfermedad: A pesar de su frágil salud en los últimos años, Romero San Juan mantuvo viva su pasión por el arte flamenco y las sevillanas, permaneciendo siempre cerca del mundo del cante y la guitarra.

Premios: A lo largo de su carrera, Romero San Juan acumuló numerosos reconocimientos, incluyendo el Disco de Platino por el álbum "Poderío", Discos de Oro por "Andalucina" y "Esvilla Esbella", así como premios como el Micrófono de Oro otorgado por Radio Nacional de España (RNE) en 1989 y 1991, entre otros galardones que destacan su contribución al mundo de la música.


MANUEL LÓPEZ FARFÁN



    La biografía del militar y compositor Manuel López Farfán, puede concretarse en los siguientes términos:

Manuel López Farfán, distinguido militar y compositor, nació en Sevilla en 1872 y cerró su prolífica vida en San Juan de Aznalfarache (Sevilla) en 1944, a la edad de 71 años. Su legado perdura, especialmente en el ámbito de la música procesional, donde sus composiciones han marcado indeleblemente la Semana Santa, principalmente en Sevilla y toda Andalucía.

Familia: Manuel López Farfán era hijo de José y María de la Concepción.

Formación: A la temprana edad de 14 años, en 1886, López Farfán ingresó voluntariamente en el ejército, uniéndose a la Banda de Música del Batallón de Cazadores de Cataluña nº1. Su decisión obedecía a la búsqueda de un aprendizaje musical sólido y la esperanza de asegurar un destacado futuro como músico militar.

Vida militar: El recorrido militar de López Farfán abarcó desde su participación en el conflicto de Melilla hasta la Guerra de Cuba, donde permaneció entre 1895 y 1899. Tras regresar a España, transitó por diversas ciudades y regimientos hasta su incorporación al Regimiento de Infantería Soria 9 en Sevilla en 1919, donde alcanzó el rango de Músico Mayor del Ejército de España, equivalente a director de banda militar. En 1929, solicitó su pase a la reserva.

Carrera musical: En el ámbito musical, López Farfán ascendió desde músico de tercera hasta músico de primera, siguiendo el escalafón militar de la época. En el Regimiento de Infantería Soria 9, destacó como director de su banda militar.

Composiciones: A lo largo de su vida, López Farfán creó más de 400 composiciones, abarcando marchas procesionales, himnos, pasodobles, valses y zarzuelas.

Relevancia: Entre sus obras más destacadas se encuentran "Pasan los campanilleros" (1924) y "Estrella Sublime" (1925), dedicada a la Virgen de la Hiniesta. Esta última se distingue por una magistral introducción que incluye cornetas, otorgando a este instrumento un protagonismo sin precedentes hasta entonces. "Esperanza de Triana" también figura entre sus composiciones más reconocidas.

La huella dejada por Manuel López Farfán en la música militar y procesional sigue resonando, recordándonos la brillante combinación de su habilidad militar y su genio creativo.




JOAQUÍN TURINA



Buenas tardes, hoy nuestro compañero y colaborador Feliciano Robles nos va a exponer una síntesis biográfica del gran músico y compositor sevillano Joaquín Turina, q
ue junto a Falla está considerado uno de los máximos representantes de la música sinfónica española de la primera mitad del siglo XX,

Para empezar pues dinos, Feliciano: ¿Quién era  Joaquín Turina?

Joaquín Turina Pérez fue pianista, compositor, director de orquesta, profesor y académico. Nació en Sevilla en 1882 y murió en Madrid en 1949 a los 66 años de edad.

Turina fue junto a Falla y pocos más, uno de los máximos representantes de la música sinfónica española de la primera mitad del siglo XX, siguiendo el camino que iniciara Albéniz.

Nació en el seno de una familia acomodada, y rodeado de un ambiente artístico que influyó favorablemente en el espíritu del futuro músico, porque su padre era un pintor bastante famoso en Sevilla. Estuvo casado y tuvo cinco hijos. Uno de sus nietos José Luis Turina De Santos también es un ilustre compositor y académico.

¿Cómo fue su formación musical?

Inició sus estudios musicales con los maestros de capilla de la catedral de Sevilla, quienes le enseñaron piano, armonía y contrapunto. A los 18 años se trasladó a Madrid para ampliar sus estudios de piano en el Conservatorio madrileño, siendo compañero de estudios de Manuel de Falla y desde entonces grandes amigos.

Su presentación oficial ante el público tuvo lugar en 1897 en la sala Piazza, de Sevilla, interpretando al piano una Fantasía sobre el Moisés de Rossini. 

¿Cómo fue su estancia en París?

Al igual que otros muchos músicos y pintores españoles de la época (Hermanos Machado, Picasso, etc), Turina fijó su residencia en París de 1905 a 1914 y regresó a España como consecuencia del inicio de la Primera Guerra Mundial.

Durante su estancia en París se formó como gran músico, fue alumno de grandes maestros, en la Schola Cantorum que era un gran centro de formación musical. Ese fue el comienzo verdadero de su producción.

La intensa vida musical de la ciudad, el choque de las diversas tendencias e ideales, las grandes figuras de uno y otro campo, formaba un ambiente musical de enorme atractivo

En París se hizo gran amigo de Albéniz quien le animó a encontrar inspiración en la música popular de España y de Andalucía .

¿Cómo fue su regreso a España y el inicio de su trayectoria profesional?

Tras regresar a España en 1914 fijó su residencia en Madrid y empezó su carrera profesional actuando como pianista y al poco tiempo consiguió grandes éxitos nacionales e internacionales como compositor.

Formó parte del grupo de músicos progresistas que crearon en 1914 la "Sociedad Nacional de Música", con el objetivo de lograr un "resurgimiento musical de España", promocionando las actividades musicales.

En 1919, formó parte como pianista del Cuarteto Francés. Entre 1920 y 1925 fue director del coro del Teatro Real.

Empezó a trabajar como director de orquesta, llegando a dirigir en 1918 las representaciones de los Ballets Rusos de Sergei Diaghilev.


¿Cómo fue su vida docente y publicaciones realizadas?

Publicó en 1917 la “Enciclopedia abreviada de la Música” y en 1946 el “Tratado de composición”, además fue autor de numerosos artículos, críticas y conferencias.

En 1931 fue nombrado catedrático de composición del Conservatorio de Madrid pero como era de derecha y residía en Madrid cuando se inició la Guerra Civil fueron cerrados todos los centros de enseñanza superior que había en Madrid y Joaquín Turina estuvo protegido en Madrid por el cónsul británico que certificó que Turina era personal administrativo del consulado.

¿Cuáles son los aspectos más relevante de su carrera artística?

Joquín Turina introdujo en sus obras musicales elementos de la música tradicional andaluza con gran dominio técnico y adscripción nacionalista, sin menoscabo de su valor universal.

En su lenguaje musical abundan las armonías y escalas modales, propias del folclore andaluz, y se deja escuchar también cierta influencia de la música francesa.

Cuenta con una gran lista de composiciones algunas de las cuales fueron muy populares tanto compuestas para ser interpretadas por pianistas como guitarristas clásicos.

¿Cuáles son los honores más relevantes que tuvo en vida?

Los homenajes, reconocimientos y viajes que tuvo se sucedieron sin cesar, destacando los siguientes:

  • En 1941, fue nombrado académico de número de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando,

  • En 1926 fue nombrado en 1926 "Hijo Predilecto" de la ciudad de Sevilla, Ese mismo año obtuvo el Premio Nacional de Música por su obra “Trío con piano. Op35”

  • En 1943 recibió la Gran Cruz de Alfonso X el Sabio.

    Con posteridad a su fallecimiento existen en Madrid, una calle, un colegio de educación primaria e infantil, un instituto de educación secundaria y un conservatorio profesional de música

    En Sevilla hay una escuela de música y se celebra un Festival Internacional de Música de Cámara

    En Guadalajara hay un orfeón que también lleva su nombre

    Y esto es todo lo que he podido resumir de la biografía de este sevillano ilustre, e invito a quienes le guste la música profundicen en conocer y gozar de sus composiciones.



Maestro Quiroga


La biografía del compositor conocido como Maestro Quiroga puede concretarse en los siguientes términos:

Maestro Quiroga, cuyo nombre artístico corresponde a Manuel López-Quiroga Miquel, destacó como pianista, compositor y autor de cuplés y coplas. Nacido en Sevilla en 1899, falleció en Madrid en 1988 a la edad de 89 años.

Participó como miembro del trío de autores Quintero, León y Quiroga y dejó un legado significativo en la música española. Su prolífica carrera incluyó la creación de más de cinco mil composiciones musicales, muchas de las cuales alcanzaron gran popularidad en España durante las décadas de los 40 y 50.

Familia. Hijo de un hábil artesano grabador,

Formación. Quiroga, además de aprender el oficio paterno, sintió una profunda vocación por la música desde temprana edad. Un organista le ofreció lecciones musicales, y en tres años, ya estaba interpretando el órgano en la iglesia de los Jesuitas de Sevilla. Además de estudiar Magisterio, asistió a clases de Dibujo y Pintura en el Museo de Sevilla. Su formación musical formal incluyó estudios en el Conservatorio Municipal de Sevilla, donde aprendió solfeo y piano con Rafael González, armonía con el maestro Luis Mariani, y composición con Eduardo Torres, maestro de capilla de la catedral de Sevilla.

Debut y traslado a Madrid. Quiroga estrenó su primera zarzuela en 1923, titulada "Sevilla, que grande eres!". Le siguieron obras como "El cortijo de las matas" y "Presagio rojo", siendo esta última su mayor éxito en la época. Estas colaboraciones fueron con Salvador Videgain García, Fernando Márquez Tirado y el maestro Matheu. En 1929, se trasladó a Madrid, continuando su actividad musical y componiendo zarzuelas y canciones mientras tocaba en teatros y cabarets.

Relaciones con Rafael de León y Éxito. En 1931, conoció al sevillano Rafael de León, estableciendo una fructífera colaboración. Los romances y letras de Rafael proporcionaron a Quiroga la base para componer sus primeros grandes éxitos, consolidando la incipiente copla. A partir de 1934, se dedicó por completo al mundo de las canciones musicales, dando clases a artistas emergentes y componiendo. Al no escribir letras, colaboró con destacados letristas como Salvador Valverde, Antonio Quintero y Rafael de León. Algunas de sus composiciones más conocidas incluyen "Tatuaje", "Rocío", "La Parrala", "María de la O", "Ojos verdes" y "La Zarzamora".

Guerra Civil. La guerra civil (1936-1939) interrumpió sus proyectos, y la nueva moral impuesta por los vencedores eliminó los cuplés picantes, fomentando la copla española.

Posguerra. Después de la guerra, Quiroga realizó giras nacionales e internacionales con figuras folclóricas destacadas.

Cine y Decadencia de la copla. El Maestro Quiroga también fue compositor musical para películas folclóricas en las décadas de 1940 y 1960, trabajando con artistas como Concha Piquer, Rocío Jurado y Lola Flores. Sin embargo, en los años 60, su estilo de copla comenzó a decaer frente a la creciente preferencia por músicas más internacionales.

Cargos institucionales y Reconocimientos. En 1972, fue nombrado Consejero de Honor de la Sociedad General de Autores de España. En 1986, recibió el título de Hijo Adoptivo de Madrid, y se le rindió un gran homenaje por parte de la Sociedad General de Autores de España y el Ministerio de Cultura. El escritor Martín de la Plaza dedicó un libro a su figura, titulado "Maestro Quiroga, Compositor" en 2002.




Pepe Marchena




La biografía del cantaor de flamenco Pepe Marchena, puede concretarse en los siguientes términos:

José Tejada Martín, conocido como "Pepe Marchena", nació en el corazón de la tradición flamenca, en Marchena, Sevilla, en 1903, y falleció en Sevilla en 1976, a la edad de 73 años.

Familia. Proveniente de una familia humilde. Pepe Marchena creció inmerso en la rica tradición del flamenco. Su padre, un labrador y ocasional guardián de la Fuente de las Cadenas, era poseedor de un cante excepcional, especialmente en las tarantas. No se le conoce descendencia.

Inicios. A pesar de las dificultades económicas, la pasión por el cante se apoderó de Pepe desde temprana edad, llevándolo a compatibilizar sus trabajos diurnos con actuaciones nocturnas en las tabernas de Marchena.

La necesidad de contribuir al sustento familiar llevó a Pepe a desempeñar diversos trabajos desde niño, impidiéndole asistir a la escuela. Aunque no aprendió a leer ni escribir, su aguda inteligencia natural lo destacó desde pequeño, permitiéndole superar las adversidades y adquirir la sabiduría forjada en la lucha por la vida.

Su amor por el cante gradualmente lo liberó de sus oficios manuales y lo guió hacia el arte. A los doce años, ya recorría pueblos como Morón de la Frontera, Écija y Osuna, mostrando su prodigioso talento. Su primer contrato profesional lo obtuvo en Sevilla, actuando en el Café de Novedades durante varias semanas.

Madrid. El debut en Madrid, tuvo lugar en 1921, en el merendero "Casa Juan" y marcó un hito en su carrera. Pronto, fue llevado a La Latina con un salario destacado. En 1924, participó en la representación del sainete "Málaga ciudad bravía" en el Teatro Martin, compartiendo escenario con Ramón Montoya y cosechando un gran éxito.

Hotel Alfonso XIII. En 1925, durante la inauguración del Hotel Alfonso XIII en Sevilla, se produce otra actuación histórica en la carrera de Marchena; actúa en presencia de los Infantes Don Carlos y Doña Luisa y en el mismo acta intervienen Antonio Chacón, Ramón Montoya y otros artistas. A partir de ahí empezaron las giras con éxito por toda España.

Teatro Pavón (Madrid). En abril de 1925 se inauguró el Teatro Pavón en Madrid, y se convocó un concurso de cante jondo con un primer premio de cinco mil pesetas en la que participaron los mejores cantaores de esa época. Pepe Marchena ganó el primer premio por fandanguillos. A raíz del éxito del concurso se creó la Copa Pavón, en la cual se enfrentaron los mejores cantaores de la época, después de las deliberaciones del jurado fueron finalistas: Pepe Marchena y Manuel Vallejo, ganando la final Vallejo.


Éxitos. Desde entonces, sus giras por toda España le otorgaron renombre y éxito artístico. Su participación en espectáculos de ópera flamenca y teatro en el Teatro Pavón de Madrid se entrelazó con la grabación de numerosos discos, siendo "La Rosa" el primero de ellos, lanzado en 1925. En 1926, junto a destacados artistas, recorrió España y la costa mediterránea, consolidándose como una figura destacada en el panorama flamenco.

Guerra Civil. La Guerra Civil interrumpió su gira en 1936, llevándolo a residir en Arquillos durante el conflicto.

Posguerra. Después de la guerra, retomó sus giras y conciertos benéficos por toda España.

América. En 1945, se presentó en el Teatro Avenida de Buenos Aires, con el espectáculo Feria de Sevilla, de Guillén y Ribas, en unión de Carmen Amaya, permaneciendo tres meses consecutivos, alternados con actuaciones en Radio Belgrano, y finalizando su gira en Montevideo y Río de Janeiro.

Discografía. Su legado artístico se refleja en su extensa discografía y en la creación de la colombiana, inspirada en una canción vasca.

Cine. No solo se limitó al cante, sino que incursionó en el cine, protagonizando varias películas junto a destacados cantantes de la época como Lola Flores o Antoñita Moreno. Sus principales películas fueron:

- Paloma de mis amores (1935) fue la primera película en la que intervino Pepe Marchena con la bailarina Ana María y el guitarrista Ramón Montoya.

- María del Carmen (1935) fue su segunda película, dirigida por Marcel Gras y producida por HIAF, la película se desarrolla en un ambiente rural , con destacadas intervenciones de Marchena.

- La Dolores (1939) Versión cinematográfica de la zarzuela del mismo título de Feliú y Codina, en la que Pepe Marchena encarnó el papel del Sargento Rojas. El filme fue dirigido por Florián Rey y protagonizado por Concha Piquer.

Martingala (1940), Película basada en una obra de Felipe Sassone y Antonio Quintero. Intervinieron Pepe Marchena, Lola Flores, María del Carmen, Rafael Arcos y un largo reparto, obtuvo un gran éxito de taquilla.

- La Reina mora (1955) Rodada en ferrania-color, digirida por Raúl Alfonso, la película es una comedia basada en una zarzuela de los hermanos Quintero, con música del maestro Serrano y canciones de Quintero, León y Quiroga. El reparto lo compartió Pepe Marchena con Antoñita Moreno, Miguel Ligero, Antonio Riquelme y Casimiro Hurtado.

Premios y Honores.

  • Medalla de Oro de Marchena en 1974

  • Laurel de Oro en 1961

  • Disco de Oro en 1963

La figura de Pepe Marchena perdura en la memoria del flamenco, y Manuel de Falla elogió su cante andaluz puro como un "encanto inagotable". Su legado trasciende generaciones, consolidando su lugar en la historia del flamenco.


Niño Ricardo



La biografía del guitarrista Niño Ricardo puede concretarse en los siguientes términos:

Manuel Serrapí Sánchez, conocido mundialmente como el Niño Ricardo, fue un virtuoso guitarrista flamenco y compositor que nació en Sevilla en 1904 y falleció en la misma ciudad en 1972, a la edad de 68 años. Su legado perdura como pionero que revolucionó la guitarra flamenca, dejando una profunda huella y creando escuela con un estilo único.

Familia. Proveniente de un entorno musical, Ricardo Serrapí Torres, su padre, también era guitarrista, marcando el camino para el joven Niño Ricardo.

Formación. Criado en los típicos corrales de vecinos de Sevilla, el arte flamenco corrió por sus venas desde temprana edad. Su formación se gestó bajo la tutela de su padre y Antonio Moreno, amigo de este, quienes lo introdujeron al mundo del flamenco cuando apenas tenía 10 años. Niño Ricardo absorbió lo mejor de los guitarristas destacados de su época, como Ramón Montoya, Javier Molina y Manolo de Huelva, superándolos eventualmente al desarrollar su propio y distintivo estilo.

Debut profesional. A los 14 años, debutó profesionalmente en un tablao flamenco, iniciando una carrera que no conoció límites geográficos y que lo llevó a acompañar a reconocidos cantaores tanto dentro como fuera de España. Su incansable contribución a la música flamenca se vio reflejada en sus primeras grabaciones en discos de pizarra a los 20 años, aunque la fama llegó cuando ya había superado los 40.

Relevancia. Niño Ricardo fue un innovador, más interesado en la modernidad que en la mera técnica. Su estilo, conocido como "El Ricardismo", desafiaba los cánones establecidos, explorando nuevas dimensiones en sus composiciones.

El fandango fue su especialidad, donde deslumbraba con brillantes arreglos de acordes y una mano derecha única en su constante manipulación de las cuerdas, creando un contrapunto rítmico inigualable. Su habilidad musical motivó a muchos cantaores, destacando su preferencia por acompañar al cante antes que ser un mero concertista.

Maestro. Niño Ricardo dejó un impacto indeleble en la música flamenca, siendo maestro de renombrados guitarristas como Paco de Lucía y Enrique de Melchor. Su influencia también se extendió a la composición, creando música para destacados cantaores de copla como Juanito Valderrama y Antonio Molina.

Discografía. Su discografía incluye colaboraciones con los mejores cantaores de la época, como el Porrina de Badajoz, La Niña de los Peines, Pepe Pinto, Antonio Chacón, Antonio Mairena y muchos más. consolidando su estatus como uno de los grandes de la guitarra flamenca.

Giras, A lo largo de su vida, realizó giras internacionales desde 1940, acompañando a los más destacados cantaores en escenarios de todo el mundo.

Compositor. Creó la música para muchos grandes cantaores de copla como Juanito Valderrama, para el que compuso su mayor éxito, “El emigrante” o “El rey de la carretera” entre otros. O para Antonio Molina, que compuso y escribió “La madrugá”. La SGAE tiene constancia de seis libros sobre partituras de Ricardo. Sus composiciones las firmaba con su apellido “Serrapí”

Premios y Honores. Niño Ricardo recibió reconocimientos honoríficos, como el monumento en su tumba en el cementerio de San Fernando de Sevilla, representando a un ángel con una guitarra alzada al cielo. En 2005, se erigió un monumento y una placa en la Plaza del Cristo de Burgos, cerca de su lugar de nacimiento, honrando la memoria de este genio del flamenco. Su legado perdura como una fuente inagotable del mejor toque flamenco.



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